I dipinti di Petrov-Vodkin sono assolutamente memorabili. La loro forza interiore e le loro dinamiche affascinano il pubblico e li fanno percepire il mondo che li circonda in un modo nuovo. L'artista ha lavorato nel periodo del crollo delle epoche, quindi la costante ricerca di forme e innovazione si fa sentire in ciascuna delle sue opere.
I dipinti più famosi di Petrov-Vodkin:
1
African boy (1907)
Il ritratto di un ragazzo africano è uno dei molti ritratti di bambini. È scritto nello stile del modernismo. Un bambino dalla pelle scura proveniente da un povero villaggio in una camicia strappata è raffigurato sullo sfondo di un edificio decorato con piastrelle in stile nazionale.
L'immediatezza e la curiosità dell'espressione sul viso del bambino si combinano simultaneamente con la paura interiore e la vicinanza a una persona bianca sconosciuta - la mano destra del bambino copre il petto e copre strettamente la mano sinistra.
2
Bathing the Red Horse (1912)
Il dipinto di KS Petrov-Vodkin "Fare il bagno al cavallo rosso" alla mostra d'arte del 1912 fece colpo. È stata un'idea innovativa: unire il passato e il futuro allo sviluppo della pittura. Qui sono stati combinati i metodi di pittura di icone, monumentalismo, stile Art Nouveau e arte decorativa. Il cavallo rosso è un eroe frequente di icone ed epopee russe.
Nel dipinto di Petrov-Vodkin, il cavallo rosso è la figura centrale e significativa del quadro. È raffigurato su uno sfondo di acqua color smeraldo. Il corpo di un ragazzo nudo seduto a cavalcioni è stato scaricato con precisione anatomica e il suo volto appare in qualche modo schematico e distaccato. Quest'opera monumentale è entrata nel mondo delle persone come simbolo dei futuri cambiamenti rivoluzionari nel destino della Russia.
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3
Ritratto di un ragazzo (1913)
Perov-Vodkin ha dedicato gran parte del suo lavoro ai ritratti. L'immagine dei bambini ha offerto all'artista l'opportunità di conquistare nuovi orizzonti.
Il ritratto di un ragazzo è uno dei famosi ritratti per bambini del pennello dell'artista. Sottolinea il periodo di transizione, la formazione della personalità del bambino. Il suo viso è ancora infantilmente gentile e rotondo, ma nello sguardo puoi già sentire la determinazione e il risveglio della mascolinità dell'eroe. Lo sfondo verde ti consente di enfatizzare la vellutata pelle scura del ragazzo, la sua giovinezza e freschezza.
4
Sulla linea di fuoco (1916)
La tela "On the Line of Fire" è scritta al culmine del patriottismo, al culmine della prima guerra mondiale. Riflette il sacrificio dell'esercito russo. La morte del guardiamarina, che conduce un soldato sul campo di battaglia, ricorda sorprendentemente l'immagine di un martire che dipinge icone. Petrov-Vodkin disse in quel momento: "Possa Dio salvare la Russia".
Il dipinto si basa su tre colori primari: giallo, rosso e blu. La composizione è basata sul principio di un cerchio, come un panorama, quando puoi vedere l'immagine da tutti i lati.
5
Aringhe (1918)
La devastazione, la mancanza di cibo estremamente scarso e la severità della vita si riflettono nella natura morta "Aringhe", scritta da Petrov-Vodkin nel 1918. Patate, pane nero, aringhe arrugginite - questo è tutto ciò che si può trovare a Pietrogrado, inghiottito dalla rivoluzione. Laconicismo e semplicità, chiarezza e versatilità delle forme degli oggetti rendono questa natura morta un culto e monumentale. Questo è un tipo di inno dell'epoca.
L'artista si riferisce a questi semplici prodotti come gioielli. Le aringhe luccicano con riflessi dorati sullo sfondo di un bel pezzo di carta blu, patate e una piccola pila di pane sembrano pietre preziose su una tovaglia rosa. Dal bordo del tavolo puoi vedere il volto del figlio dell'artista, in attesa dell'inizio di una misera cena.
6
Petrov-Vodkin, Autoritratto (1918)
Autoritratto dell'artista, scritto in modo molto scultoreo. Le forme del viso tritate duramente creano una solida immagine maschile che percepisce seriamente e seriamente la realtà circostante. Petrov-Vodkin dipinse un eccellente autoritratto psicologico. Davanti allo spettatore c'è l'immagine di un pensatore, una persona intelligente e esperta.
7
Morning Still Life (1918)
Il dipinto “Morning Still Life” è un'opera piena di gioia e ottimismo mattutino. Sembra che l'aroma del tè si stacchi dall'immagine. Vista insolita di una natura morta. Come se si stesse allontanando dal cuscino, l'artista si guarda intorno al tavolo con noncuranza a colazione. Un bicchiere sfaccettato con tè, un cucchiaio d'argento, un modesto bouquet di fiori di campo, una teiera sfaccettata, uova sode - creano un'insolita familiarità e provocano un appetito sano, che si verifica solo al mattino.
Le cose meravigliose che circondano l'artista sono state sapientemente scritte per dimostrare che il mondo di tutti i giorni può essere bello e pittoresco.
Il sole del mattino illumina il tavolo e una luce rosa costante si diffuse nella stanza. Gli oggetti si distaccano sul tavolo, non si sovrappongono, ma questa tecnica aggiunge alla natura morta solo armonia ed equilibrio. Lo spettatore ha la possibilità di esaminare attentamente ogni elemento sul tavolo.
Tale isolamento, al contrario, unisce oggetti di natura morta. Nelle sfaccettature speculari della teiera si riflettono le uova di madreperla e un gatto rosso. Ai lati delle uova i riflessi arancioni di un bicchiere di tè bruciano. Attraverso i bordi del bicchiere puoi vedere come un cucchiaio d'argento viene rifratto tre volte, enfatizzando lo spazio tridimensionale. Le partite lasciate sul tavolo e un cane che spuntavano dal tavolo ricordano la stretta presenza di una persona.
8
Still Life with a Prism (1920)
Un enorme spazio è racchiuso in un piccolo quadro di una natura morta. Nello specchio sdraiato sul tavolo, si riflettono le forme geometriche: un prisma arrotondato di vetro e una scatola di fiammiferi. Le finestre a battente in infinite linee rette sono immerse nello spazio dello specchio. Ai lati della cornice di legno dello specchio si trova una mela verde e un cucchiaio d'argento.
La finzione del dipinto è enfatizzata dal piano del tavolo, che è coperto da una tovaglia blu spiegazzata, le cui pieghe ricordano una superficie d'acqua tempestosa.
9
1918 a Petrograd (1920)
Un altro nome per questo dipinto è "Madonna di Pietrogrado". Questo è uno dei dipinti più famosi e significativi di Petrov-Vodkin.
Al centro dell'immagine, sullo sfondo di una vivace città rivoluzionaria, una giovane donna è raffigurata con un bambino in braccio. La sua postura, espressione facciale allarmante, giro di testa, scialle bianco come la neve, vestito verde e mantello rosso ricordano la Vergine. Le due figure di madre e figlio sono molto simboliche.
Molti critici considerano questa immagine un simbolo della Russia rivoluzionaria, un simbolo di un cambiamento radicale negli eventi storici. Sullo sfondo della devastazione e del caos completo, l'immagine di una donna con un bambino appare come una speranza per il futuro, come una continuazione della vita.
10
Still Life with a Samovar (1920)
Natura morta con una samovar scritta in modo riconoscibile ed esclusivo dall'artista. Il colore dell'immagine si basa sulle sfumature del blu. La superficie liscia a specchio del samovar riflette lo spazio circostante ed espande i confini dell'immagine. La tavolozza sul tavolo parla dell'attuale occupazione dell'artista, e uno schizzo che raffigura un'immagine femminile suggerisce ciò su cui il maestro sta lavorando ora.
11
Ritratto di Anna Akhmatova (1922)
Rigoroso, senza pathos inutili, il ritratto di Anna Akhmatova di Petrov-Vodkin è uno dei suoi migliori ritratti. Occhi azzurri penetranti, persino frange, abito nero rigoroso: questa è Anna Akhmatova, che conosciamo e onoriamo come la poetessa più straordinaria dell'inizio del XX secolo. Il suo talento, il tragico destino e la fortezza sono noti a tutti.
Lo sfondo del ritratto è una musa rigorosa, chinando la testa. Solo le persone più talentuose possono sentirla sussurrare, una straordinaria poetessa russa è una di queste.
12
Death of the Commissioner (1928)
Nel periodo sovietico, Petrov-Vodkin creò una tela di grande importanza, che rivelò sia l'era che il tema del sacrificio per un futuro luminoso. Il dipinto "La morte del commissario" è stato dipinto dopo la fine della guerra civile, pieno di spargimento di sangue fraterno e crudeltà.
La trama della foto era la tragica storia della morte del commissario sul campo di battaglia nella guerra civile. In primo piano in cima alla collina, un uomo dell'Armata Rossa sostiene un commissario morente. Dietro di loro, l'Armata Rossa continua ad avanzare. Per mostrare la portata di ciò che sta accadendo, l'artista ha abilmente usato una prospettiva sferica.
Il colore dell'immagine si basa su una combinazione di ocra, blu e verde. Spazio perfettamente trasmesso. Dall'altezza della collina è possibile vedere il complesso rilievo dell'area, il nastro azzurro del fiume e una piccola città.
13
Apple and Lemon (1930)
La semplice natura morta "Mela e limone" si basa sullo stesso principio del resto delle nature morte di Petrov-Vodkin. L'immagine è costruita sul contrasto dei colori. La prospettiva "vista dall'alto e laterale" non è stata scelta per niente: una grande mela gialla e un limone tagliato su un piattino sembrano molto vantaggiosi sullo sfondo di un motivo grafico di una tovaglia rosa-lilla.
14
Bird cherry in a glass (1932)
Lo spettatore riconosce immediatamente una fantastica composizione e una combinazione di colori, il cui pennello appartiene alla natura morta "Cheryukha in a glass". Petrov-Vodkin ha usato un angolo straordinariamente innovativo in una natura morta, che rende ancora indimenticabili i suoi dipinti.
La copertura da tavolo scura ultramarina, la copertina rossa di una rivista, su cui poggia un semplice bicchiere con un ramo di ciliegia di uccello, un calamaio, lettere, un piattino con un cucchiaio d'argento creano uno straordinario spazio tridimensionale. Un sottile bicchiere d'acqua e l'orlo di uno spesso calamaio di vetro catturano e rifrangono i raggi del sole di una giornata primaverile. Una scatola di fiammiferi, lettere non lette e l'assenza di un bicchiere da tè indicano la presenza dell'autore. Beve tè, fuma e sta per leggere la corrispondenza.
15
1919 anno. Ansia (1934)
La tremenda tragedia dell'Ansia di Petrov-Vodkin fu scritta nell'anno pacifico del 1934, come ricordo dei tragici eventi del 1919. I tempi difficili si riflettono nelle condizioni delle persone. Il capofamiglia fissa intensamente la strada notturna fuori dalla finestra. Un bambino indifeso dorme tranquillamente nel letto. La donna al centro dell'immagine guarda il bambino allarmato. Sta arrivando qualcosa di terribile e sconosciuto.
16
Girl with a Doll (1937)
L'artista ha dipinto il ritratto della figlioccia dell'artista Tanya Piletskaya poco prima della sua morte. Questo ritratto è molto delicato e delicato. La ragazza viene mostrata con la sua bambola preferita, che i suoi genitori le hanno regalato per il suo compleanno. Lo sfondo del ritratto sono le calde pareti di legno marrone della veranda. Un abito di pizzo bianco mette in risalto il bel viso del bambino.
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Epilogo
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin non era solo un brillante artista russo e sovietico. Era un insegnante eccezionale e si trovava alle origini della creazione dell'educazione artistica in URSS.
I redattori di most-beauty.ru considerano un compito impossibile scegliere la più bella delle tante opere del pittore russo. Pertanto, di seguito pubblicheremo alcuni altri bellissimi dipinti di Petrov-Vodkin.
Girls on the Volga (1915)
Nostra Signora della Tenerezza dei Cuori Malvagi (1915)
Dopo la battaglia (1923)
In Shuvalov (1926)
Lenushka in bed (1926)
Behind the Samovar (1926)
Girl at the desk (1934)
Ritratto di V.I. Lenin (1934)
Su questo il nostro articolo è giunto al termine. Stiamo aspettando i tuoi commenti! Scrivi quali altri dipinti di Petrov-Vodkin hanno trovato una risposta nella tua anima.